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Danza 305: Ilisa Rosal reafirmando la amplitud y profundidad del flamenco

noviembre 1, 2020

Orlando Taquechel | Artburst Miami

La bailarina, coreógrafa y maestra Ilisa Rosal es la fundadora y directora artística de dos instituciones emblemáticas del sur de la Florida: Ballet Flamenco La Rosa (BFLR) y Performing Arts Network (PAN).

 

Con motivo de la celebración de los 35 años de BFLR y 25 de PAN, conversamos con esta notable artista miamense de larga y reconocida trayectoria, no solo entre nosotros.

 

Las dos organizaciones colaboran estrechamente unidas, compartiendo muchos recursos y programas. PAN nació de mis conexiones con artistas de otras disciplinas y etnias, y es una forma de expandir el alcance de cualquier artista que viva o visite la comunidad y desee participar”, nos dice.

 

¿Cuándo descubrió su preferencia por el baile flamenco?

Yo estaba en mi adolescencia, entrenando en ballet y haciendo teatro comunitario, cuando la maestra de ballet nos llevó a ver un concierto de José Molina Bailes Españoles. Al instante me cautivó la intensidad y la pasión de las piezas flamencas, y sobre todo un dúo que presentaron de La Cana, con una ‘bata de cola’ y las letras de García Lorca en el lamento profundo del ‘cante jondo’. Inmediatamente sentí que esa unión de guitarra, voz, literatura, teatro y danza era ‘mi’ forma de arte”.

 

¿Cuándo surge BFLR?

Sabía que iba a tener mi propia compañía de danza desde mi adolescencia. Al principio pensé que sería una compañía de ballet o danza moderna. Soñaba con ballets enteros, con vestuario completo y coreografía cuando descubrí que con el flamenco podía combinar todas las formas de arte que tanto me apasionaban. (…) En 1985, lo primero que hice al regresar a Miami desde España, fue abrir una escuela de danza y presentar una actuación en el Teatro Gusman con mi maestro y mentor, Manolete. Quería que esta comunidad entendiera qué era el flamenco real, ya que el flamenco que solía presentarse era una forma muy comercial”.

 

Obtuvimos nuestra designación como organización sin fines de lucro, y comenzamos a solicitar becas, presentar conciertos y generar seguidores. El primer espectáculo de BFLR, después del concierto con Manolete, fue en el teatro Colony. Los bailarines eran tres de mis alumnos, el Artista Invitado Paco del Puerto y yo. Los músicos fueron Paco Fonta y Antonio Serrano. La música en vivo es fundamental para el flamenco, y continuamos trabajado duro para presentar siempre nuestro trabajo con música en vivo. (…) Hemos ofrecido unas 500 funciones hasta hoy”.

 

¿Cuáles han sido los mayores desafíos y logros?

El mayor desafío ha sido educar al público sobre lo que realmente es el flamenco. Hay muchos conceptos erróneos sobre esta forma de arte. Otro desafío ha sido que la falta de fondos nos ha impedido presentar nuestros trabajos más allá de un fin de semana en Miami o hacer una gira con las obras que hemos creado.

 

Entre lo más destacado está nuestro concierto de puro flamenco en el 2000 en colaboración con Manolete, un fin de semana con entradas agotadas en el Teatro Jackie Gleason y luego en el Festival Internacional de Danza de Vail. Así como las obras de fusión como ‘Celtic Callings’, ‘Ritmo Azul’, ‘Máscara y Espejo’ y ‘Cuentos Mediterráneos’ que han sido favoritas del público. También hemos tenido la suerte de recibir financiación para traer a Miami a muchos de los más grandes artistas flamencos de nuestro tiempo.

 

Y los estrenos de nuestros ballets narrativos, que son mis favoritos. No puedo escoger uno en particular porque siento como si todos fueran mis ‘hijos’. Tengo una profunda conexión con el material y con el proceso de usar el flamenco como lenguaje para contar esas grandes historias”.

 

Rosal se ha destacado creando puestas en escena de flamenco que son adaptaciones de famosas obras literarias. La más reciente, y decimosegunda de la serie, es El Conde Drácula, estrenada en noviembre de 2018 en el teatro Colony de Miami Beach e inspirada en la novela original de Bram Stoker. Herodías, de Gustave Flaubert, en 2004; Las brujas de Salem de Arthur Miller, en 2007 y el Rey Lear de William Shakespeare, en 2009, fueron las primeras.

 

Y siguieron, La Dama Macbeth (2010) a partir de la tragedia Macbeth, también de Shakespeare; Cleopatra y Cesar (2011) según la obra de George Bernard Shaw Cesar y Cleopatra; Directo al corazón (2013) inspirado en Hedda Gabler de Henrik Ibsen; Señorita Julia (2014) y El Padre (2015), ambas basadas en August Strindberg; La Gaviota (2016) de Anton Chejov; La casa de la muñeca (2017) también de Ibsen y a inicios de 2018, Verano y humo de Tennessee Williams.

 

¿A qué se debe su interés por las adaptaciones?

Cuando estuve en España vi algunas ‘obras’ flamencas, pero me decepcionaron porque casi siempre estaban basadas solo en material español como ‘Carmen’, ‘Don Quijote’ o textos de García Lorca. Sentí que el flamenco era universal y quería demostrarlo utilizando el flamenco como lenguaje para interpretar temas universales. Con tanto material del que extraer, sumado al hecho de que cada artista flamenco desarrolla su propio estilo y expresión personal, las posibilidades son infinitas. (…) Mis colegas de España dicen que no hay nadie más que pueda hacer esto. Tengo la combinación única de experiencia, formación y perspectiva para hacerlo posible. Poder combinar el amor de toda mi vida por el teatro con la forma de arte en la que he hecho carrera, ha sido la manera perfecta para cumplir mi visión artística”.

 

Por último, ¿qué método sigue al hacer una adaptación?

Elijo una obra que tiene una fuerte resonancia conmigo, y que tiene una historia y personajes que se traducirán bien a través del flamenco. Cada año, solicitamos fondos para la siguiente temporada, y tan pronto como se aprueban los fondos, comienzo el proceso. Selecciono los bailarines y los músicos que son adecuados para ese proyecto. Luego escribo un guion, en español, que tiene un desglose escena por escena de la historia de una manera que funcione para este tipo de interpretación. A menudo, agrego escenas en las que es necesario mostrar cosas que en la obra original solo se describen en el diálogo.

 

Me reúno entonces con los músicos y bailarines en los papeles principales. Antes viajaba a España, ahora es con Zoom. Discutimos en detalle cada escena y qué palos o ritmos flamencos se usarán. Desglosamos musicalmente cada escena. Decidimos dónde usar guitarra, voz o solo ritmo y elegimos la música, tradicional u original, para cada escena o transición. Luego, el cantante y yo buscamos o escribimos letras juntos. A veces, hay una letra flamenca tradicional que encaja exactamente con lo que necesitamos, pero más a menudo, tenemos que cambiar la letra o escribir letras completamente nuevas.

 

Una vez hecho esto, los bailarines aportan ideas para la coreografía. Como los bailaores de flamenco también son coreógrafos, porque deben crear e improvisar sus propios bailes para trabajar en tablaos, cada uno trae su propio estilo que yo uso como base, para luego cambiar, refinar y redefinir, según el personaje y la historia.

 

Uno de nuestros artistas invitados que regresan, dijo al comienzo de los ensayos en España para uno de estos proyectos: ‘Si trabajas con Ilisa, estarás haciendo una ‘antología del flamenco’, ¡Así que prepárate!’.

 

Tenemos un período de ensayo de dos semanas, generalmente en nuestro estudio en Miami, a veces en España, donde reunimos a todo el elenco y refinamos, editamos y completamos la coreografía. Ensayamos con la música, agregando accesorios, vestuario y al diseñador de iluminación, según nos acercamos a la actuación. Por lo general, hay dos días de ensayo técnico en el teatro y dos representaciones”.

 

Y concluye, “todavía me asombra que la gran mayoría de nuestro público sigue diciendo que no tenían idea de la amplitud y profundidad del flamenco hasta que vieron una de nuestras obras”.

ArtburstMiami.com es una fuente sin fines de lucro de noticias sobre teatro, danza, artes visuales, música y artes escénicas.

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